【抽獎】北師美術館特展：8組關鍵詞及必看作品，探尋女力藝術家「草間彌生」超越性別、疾病與時尚的創作軌跡

隨著性別平權意識抬頭，女力符號也浸潤在文學、藝術、文化等各個領域之中，現年高齡96歲的圓點女王：草間彌生正是當代女力的最佳典範！她在世界各地獲獎無數，曾被英國《The Times》評選為「二十世紀最偉大的藝術家」之一；也曾獲頒美國終身成就獎、法國藝術及文學騎士勳章等殊榮，還與普普藝術大師藝術家安迪·沃荷一起聯展過，是世界公認當代藝術史上最具代表性及顛覆性的女性藝術家，創作超越性別、疾病、時尚、種族、戰爭等界線。

國立臺北教育大學北師美術館重磅特展「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」與草間彌生工作室、青森美術館等多方協力下，精選70件作品聚焦在1951年至2005年間的創作，透過四大策展主題「草間的綻放」、「圓點・原點」、「草間的蟄伏」、「Love Forever」，藝術是她療癒自身與表達自我的出口，作品包含繪畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等等，特展開展至5月4日，以下整理絕對不能錯過的8組藝術品與8組關鍵字，搭配簡介作品與藝術家生平，邀請大家38國際婦女節之際一起沉浸其中，感受精采她實驗性創作軌跡與獨特的美學之境！
（立即票選玩抽獎，贈特展雙人票，活動辦法詳見文末）

1.《圓點的強迫妄想》

作品：《圓點的強迫妄想》，Dots Obsession，1998/2024
位置：二、三樓展間、戶外草坪

＃北美館雙年展　＃大型裝置　＃再現

草間彌生1998年創作的《圓點的強迫妄想》大型氣球裝置，睽違26年再次現身台北！這組作品是本次展件中最巨大、最搶眼、也是觀眾進展時最先映入眼簾的大型藝術裝置，當時受到臺北市立美術館（北美館）館長林曼麗及策展人南條史生之邀，於台北雙年展創作巨型現地創作，以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球滿佈北美館的中庭，是草間彌生難得以巨大雕塑與公共空間對話的作品之一，引發大眾熱烈迴響，球體外型、圓點密度各異，在空間中恣意蔓生，同時又魔幻般的漂浮於展室中，彷彿每一件都是具有強大生命力的個體，營造出有趣的沉浸式空間。

除了復刻重現氣球外，還有為本次展覽特別製作的《生命的足跡》，這組燈作進駐在北師美術館與國北教校園之間，在綠地、紅磚牆與玻璃屋等空間中互相共振，尤其夜晚還能看見它發亮模樣，與展示內的《圓點的強迫妄想》遙相呼應，一如藝術家強烈風格與頑強生命力一般，耀眼奪目！

※溫馨提醒：這些親民的作品可拍照錄影打卡，但嚴禁觸摸喔！

2.《點》、《無限的網》、《幻影的彼方》

作品：《點》，Dots，1951、《無限的網》，Infinity Nets，1999、《幻影的彼方／無限的網》，Beyond My Illusion∕Infinity Net，1999
位置：二、三樓展間

＃圓點女王　#父母失和的家庭關係　＃精神疾病

無止盡的「圓點」是草間彌生作品中很重要元素之一，不過你知道為什麼她的作品總是會有點嗎？草間彌生自己曾多次提到「點」，與她的童年經歷與精神狀況密切相關，大約10歲起，父母失和帶來的不和諧的家庭關係與精神疾病帶來的「幻視」、「幻聽」不斷地影響她感官與生活。她說，自己第一次看圓點是源自某天看見桌布上的紅色花紋圖案，不斷重複出現、無限蔓延，迫使整個空間和自己都遭到吞沒，而這個深陷幻覺的體驗中，圖案被簡化成圓點，而體驗成為了她創作重要靈感及核心價值。

1951年的這幅《點》是本次展出所有作品中最早的創作，同時也是她赴美留學之前在日本的早期創作，看似隨興地以墨水點狀描繪，實則濃淡不一，堆疊皆有章法，表現出無重心的視角，此外，這些點不僅僅只是重複的裝飾性元素，她更是透過無限擴展的點來探索自我，也將她的感受表達讓所有人知道，就像是一種自我表達與一種精神上的延續。

而「點」孳生後也逐漸形成了「網」，她的網有兩種意象呈現，包含無重心、沒有邊界，強調把人吞噬的《無限的網》系列創作，另外一種是消融，當你將點黏到身上後，主客關係消融在一起，這個概念在很多創作中都能感受到。尤其《幻影的彼方》畫面有點類似看見漫畫中常用的「網點」技法，乍看用色、大小疏密等元素組成一幅畫，但隱約又能看見圖像，將藝術家幻覺具象化，營造與環境空間自我消融，同時從而獲得永恆的新生。

※溫馨提醒：部分珍貴的創作是禁止近距離拍攝，以現場標示為主！

3.《南瓜》、《花》

作品：《南瓜》，Pumpkin，1990、《花》，Flower，1989
位置：二樓展間

＃南瓜 ＃童年

南瓜之於草間彌生，就像是向日葵之於梵谷；睡蓮之於莫內，似乎每位藝術家的生命軌跡中總會有一種植物成為他們的精神寄託，並在大量創作的過程中奠定了它成為自己標誌性的主題。

「我愛南瓜，自童年起它便是我的精神居所。南瓜深不見底的靈性，一直為世間眾人帶來和平......，為我帶來心境的平靜。」《論南瓜》，2010

草間彌生1929年3月22日生於日本長野縣松本市，成長於富裕的育苗採種場之家，南瓜可能是她不幸的童年記憶裡的一道光，她享受在採種場的花草小徑上觀察南瓜的果實和黃色的花，留心它們的的姿態與細節，南瓜曾帶給她幻覺的奇想，彷彿具有靈性、會說話，所以她深覺它們可愛至極。本次展出的作品《南瓜》、《花》正是這個1989-90年的創作，正個時期的創作，經常以此核心植物佈滿圓點，背景均為網形連結延伸，是集結她熱愛的自然元素與強迫執念的經典創作。

4.《自畫像》、《光No.1》、《海底》

作品：《自畫像》， Self-Portrait，1953、《光No.1》，Light No.1，1962、《海底》，The Sea，1958
位置：三樓展間

＃海洋 #日本畫 ＃用色大膽

本次策展總策畫林曼麗名譽教授分享：「我傾向認為草間彌生作品並非超現實主義，因為我們看上去的超現實（作品），對她來說就是現實與真實。」，因為囿於疾病苦痛之下，她的所見與所感都是真實存在，只能不斷透過藝術尋獲救贖與療癒。

草間彌生的創作之路就是不斷地挑戰自我，除了要克服疾病的痛苦外，也要多次遠赴他鄉打拼。例如1948年先離開長野市來到京都市立美術工藝學校求學，1951年首次在家鄉辦個展，展出百幅素描與油畫，這系列繪畫相較我們熟知的亮黃色調，色彩略為黯淡，但已能察覺喜歡大膽用色作畫，如《自畫像》以黑紅視覺色，以充滿生命力筆觸，把植物經脈與點巧妙融合於作品之中。後來，草間彌生躍上更廣大的世界舞台，在美國藝壇闖蕩後的作品《光No.1》、《海底》，展現繪畫布局具備獨特性與氛圍感，《海底》深沉的用色彩表現出海洋暗潮洶湧與未知，《光No.1》則透過聚光燈光束來點亮畫布上，映照出既像海中的珊瑚又像意識裡的光點。這些難得一件的早期作品，將她扎實的日本繪畫訓練與多元媒材使用的技法嶄露無遺，帶我們看見不同面向的她。

5.《航空郵件的積累》

作品：《航空郵件的積累》，Airmail-Accumulation，1963
位置：三樓展間

＃美國深造 ＃航空 ＃普普藝術 ＃強迫症

「我發現自己尺處身在千篇一律的環境裡，一切都異常地機械式與標準化。」草間彌生說

1955年26歲的草間彌生受到美國女性藝術家喬治亞‧歐姬芙（Georgia O'Keeffe）鼓勵與引介下遠渡重洋勇敢地追尋美國夢。1960期間她開始嘗試創造軟雕塑作品，《積累》系列在多樣的媒材探索下展開出各種創作的可能性，如《積累NO.1》、《積累NO.2》的作品有反覆增生意象，同時主題核心離不開草間彌生對「性」或「男性生殖器官」的厭惡與矛盾。值得一提的是展出這些特別作品的「紐約格林畫廊聯展」被藝文界高度肯定，認為是推動普普藝術的關鍵性展覽之一，因此參展藝術家們在藝術圈皆具有崇高地位。

除了圓點無限延伸的創作外，草間彌生也有其他符號延伸的作品。數十張「VIA AIR MAIL」的航空郵件貼紙重覆排列拼貼，符合《積累》系列創作蘊含了「積累」與「增生」的概念，也是反映了她的強迫症，猶如貼紙無止盡的繁殖下去，別有一番趣意。

值得一提的是1962年草間彌生結識一生摯愛，戀人藝術家的喬瑟夫‧康奈爾（Joseph Cornell），談了一場跨國的柏拉圖式的戀愛，兩人經常一起散步、互寫情詩、講電話聊人生與藝術，儘管這段長達10年的忘年之戀不受男方母親待見，但仍在她心中占有一定的份量。

6.《花粉》、《春之祭典》與《永劫回歸》

《春之祭典》，Spring Festival，1981、《花粉》，Pollen，1996、《永劫回歸》，The Return to Eternity，1988-91
位置：三樓展間

＃花 #雄蕊 #陽具 #軟雕塑

這組藝術品選件延續了《積累》系列創作的核心價值，儘管展間內看不見最具代表性的《積累NO.1》、《積累NO.2》，但從這三組作品也能看見類似的創作手法，但展現意涵卻不太一樣。作品運用了15歲草間彌生曾在二戰期間徵召到降落傘公廠參與縫製作業的技術，在沙發、地毯、手扶椅等日常居家物件上，攀附著大小不一，色彩繽紛，彎曲樣貌不盡相同的凸起物，像是春日裡蠢動萌生的植物或自然有機體，活靈活現，同時也保留她最愛的花元素。

地墊長出的《花粉》與盒子中生長出以複合媒材製作成《雄蕊的悲傷》異曲同工，將花卉中雄蕊、花粉與男性性器和精子互相比擬，有著生命意義與無限循環的自然面貌，同時也能洞察到她對這類主題創作的執著。

《永劫回歸》創作在1970年之後，是草間彌生近期的創作風格，軟雕塑自46個盒子中緩緩爬出，且不再只有圓點、球體的模樣，也逐漸擺脫陽具性器形象，觸手增加了條狀元素向外蔓延，色彩也更加繽紛、耀眼，似乎體現了藝術家正向迎接生命的的氣勢，即使經歷愛人喬瑟夫、父親接連離世，沉浸在短暫的低潮中，她仍能化悲慟為力量，持續透過藝術探索世界的生命觀。

7.《通心粉鞋》、《驅迫意象》

作品：《通心粉鞋》，Macaroni Shoes，2005、《驅迫意象》，Driving Image，1964-1966
位置：二樓展間、三樓展間

＃通心粉 ＃機械 ＃恐懼變形

初來乍到美國的草間彌生，經濟一度陷入困難，只能吃通心粉度日。她回憶起這段過往表示：「想到今後要永無止盡繼續吃那種用機械生產製造的食物，就感覺頭皮發麻。」令她感到厭惡與不快的通心粉成為也成為她的創作靈感，並大量運用於不同物件之上。

使用通心粉覆蓋於不同物件的雕塑作品，草間彌生將它稱作「食物的強迫妄想（Food Obsession）」，這個概念在本次展覽中的《通心粉鞋》、《驅迫意象》這兩件作品都能看到，呈現藝術家如何用日常生活物件融入藝術創作，也利用這些工業大量製造的製品發展出獨特的視覺形象，構成草間彌生另類的藝術語彙。尤其是《通心粉鞋》這件銀漆跟鞋，巧妙把機械零件（螺絲釘、螺絲帽）透過螺旋形義大利麵呈現，一魚兩吃，不僅表達機械化生存飲食行為，也轉化藝術家的內在恐懼、呼應其生命經歷，讓人拍案叫絕！

8. 影片《裸身慶典：愛與音樂》《花縱慾》、《無題（彩繪上衣）》多件服裝設計

影片《裸身慶典：愛與音樂》乍現活動紀錄片，Documentation of the Happening Naked Body Festival: Love and Music，1967年、影片《花縱慾》，Flower Orgy，1968年、《無題（彩繪上衣）》，Untitled ( Painted Tunic／Blouse ) ，1968年
位置：B1地下室展間

＃反戰　＃身體與愛　＃性別

「大家認為戰爭跟性解放哪一種比較好？」

草間彌生同時也是一位充滿爭議的行為藝術家。1960年代美國在反戰、性解放等社會運動浪潮之下，草間彌生深受啟發，並約在1967年起在率先在紐約策畫一系列「乍現」（Happening）的街頭行動，因為她認為當時的紐約太過保守，對性別議題的包容度很低，有點類似於現在我們所說的「快閃活動」。而她在乍現活動中，讓演出者們褪去衣服，並用顏料在身體的皮膚畫上圓點，企圖將反戰與性解放的理念拓展到廣大的群眾，消融自我與他人的的界線，跨越種族、國籍、階級等藩籬，以達到理想的愛與和平的境界。

本次選展影像她在荷蘭海牙舉辦《裸身慶典》，當時透過電視傳播引起熱議的紀錄片段，儘管乍現活動十分衝擊固化社會規範，且被大眾理解是荒誕、是離經叛道，但她仍舊堅持提倡「性解放」來消彌暴力，而且無所畏懼。

另外，地下室的神秘展區－「Love Forever」除了有這部乍現活動紀錄片外，也有配合這場活動衍生的時尚服飾。2002年草間彌生與大阪的設計公司graf合作，她以獨特的風格重新定義時尚，消融看似難以親近的藝術圈及受大眾歡迎的時尚精品之間的界線。

※溫馨提醒：影像內容包含人體裸露畫面，並有18禁標誌，請大家斟酌入場！

「琅琅悅讀」特別企劃，歡迎踴躍回答下面的票選問題，並留下聯繫email（僅供本次活動使用）即獲得「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」雙人票，投票時間即日起至2025/3/18 23:59止。投票次數越多，中獎機會越大！

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注意事項：

1. 獎項：「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」雙人票，5名，將由琅琅悅讀贈送。
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展覽資訊：

「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」
時間：即日起至2025/5/4
售票：全票380元
地點：北師美術館（臺北市大安區和平東路二段134號）
主辦單位｜國立臺北教育大學北師美術館
合辦單位｜時藝多媒體傳播股份有限公司
主力贊助｜台新銀行
贊助單位 ｜建銘投資股份有限公司 、財團法人建弘文教基金會 、美術館之友聯誼會 、JINS Taiwan
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